Sopla el bóreas irritado

El botón milagroso

2008-09-24T23:31:00.003+02:00

Johann Mattheson (1681-1764) fue un compositor, escritor, lexicógrafo, diplomático y teórico musical hamburgués que pudo convertirse en el causante de una de las mayores tragedias en la historia de la música. El azar quiso que, por fortuna, no fuera así, como veremos más adelante. Hijo de un recaudador de impuestos, Mattheson recibió una extensa educación liberal, que incluía música (aprendió composición y canto, y a tocar el clave, el órgano y el violín), danza, idiomas (hablaba con fluidez inglés, italiano, francés y latín), aritmética, dibujo, esgrima y equitación. Con sólo 9 años, ya cantaba acompañado al arpa, tocaba el órgano en la iglesia y era miembro del coro de la Ópera del Gansemarkt Theatre, de Hamburgo. En esa misma ópera debutó como solista en 1696. Primero, cantó papeles femeninos y, al mudarle la voz, siguió como tenor. Mientras tanto, componía óperas y dirigía esas óperas suyas o las de otros compositores.

Pero, por muy importante que se nos presente el currículum de Mattheson, poco se sabría de él de no haber sido por su amistad-enemistad con George Frideric Handel, al que conoció en 1703. Un año después, se estrenó su ópera Cleopatra. Él cantaba el rol de Antonius y Handel dirigía desde el clave. A la mitad del acto tercero, Antonius se suicida y Mattheson, acabada su actuación, se dirige hacia Handel para que le ceda el clave y la dirección. El sajón, temperalmental donde los haya, se niega, comienzan a discutir y se emplazan a un duelo a espada, en el exterior del teatro, una vez que concluya la ópera.

Handel

Es aquí cuando está a punto de ocurrir la gran tragedia de la música. Pero la espada de Mattheson, cuando se va a clavar en el cuerpo de Handel, se topa con un botón metálico de la casaca y la fatal trayectoria se desvía. Por una estúpida disputa, Handel pudo haber muerto esa noche, con tan sólo 19 años. Afortunadamente, no fue así. Y no sólo siguió viviendo, sino que prontó se reconcilió con Mattheson. Tan plena y rápida fue la reconciliación, que Handel escribió para él sendos papeles en sus óperas Almira y Nero, estrenadas en enero y febrero de 1705, respectivamente. Ese fue el último año de Matteson como cantante. A partir de ahí, se dedicó a la docencia musical (fue preceptor del hijo del embajador británico, del que más tarde se haría colaborador directo, representándolo en varias misiones en el extranjero) y a ejercer como director musical de la catedral de Hamburgo, cargo en el que estuvo desde 1715 y hasta 1728, cuando hubo de cesar por culpa de su sordera. En ese momento, comenzó en su otra actividad por la que ha pasado a la posteridad, la de escribir obras eruditas relativas a la música.

Salvo una ópera, un oratorio y unas pocas colecciones de música instrumental, el resto de su producción desapareció durante la II Guerra Mundial. No obstante, en 1998 se descubieron en Erevan (Armenia) cuatro óperas suyas y varios oratorios, los cuales se encuentran en la actualidad en la Hamburger Stadtbibliothek. Una de esas óperas halladas en Erevan es Boris Goudenow, escrita en 1710, pero no representada en su momento debido a cuestiones políticas. En el año 2005, en Hamburgo (como no podía ser de otra manera), Boris Goudenow pudo, por fin, sonar en público.

Narremos, para finalizar, una última anécdota vivida por Mattheson y Handel. En 1703, los dos jóvenes amigos viajaron hasta Lübeck con la pretensión de suceder a Dietrich Buxtehude, que ya había cumplido los 66 años, como organista de la Marienkirche. Pero el anciano músico puso una condición inesperada para acceder al cargo: casarse con su hija mayor, Anna Margareta, a la que Dios no había dotado precisamente de una gran belleza. Al día siguiente de pasar la prueba, Handel y Mattheson regresaron a la carrera, y entre risas, a Hamburgo, para no volver a Lübeck nunca más. Dos años después, un tal Johann Sebastian Bach recorrió a pie los más de 300 kilómetros que separan Arnstadt de Lübeck con el mismo propósito, suceder a Buxtehude. Y también Bach renunció a ello cuando supo que tendría que casarse con su nada agraciada hija.

Buxtehude

La patrona errada

2008-09-22T23:15:00.009+02:00

Cada 22 de noviembre, los músicos celebran la onomástica de su patrona, Santa Cecilia. Cientos de instituciones musicales de todo el mundo llevan el nombre de esta martir romana, que lo fue por defender su virginidad. Nadie osaría poner en tela de juicio la vinculación entre Santa Cecilia y la música. Y, sin embargo, Santa Cecilia, si es que realmente vivió (para muchos teólogos, no deja de ser más que una figura alegórica, pues no hay ni una sola prueba de su existencia), no tuvo nada que ver con la música ni con los músicos. La historia de cómo se llegó a esta mayúscula confusión tiene su gracia.

Cecilia, virgen, era una patricia romana de la familia senatorial de los Metelos, quien se había convertido al cristianismo. Sus padres la dieron en matrimonio (matrimonio civil, que conste) a un noble joven pagano, Valeriano. La noche de bodas, ya en el lecho nupcial, a Cecilia le dio por contarle a su esposo que un ángel guardaba celosamente su virginidad y que si quería ayuntamiento carnal tendría que hablar primero con el ángel, que era de armas tomar.

Valeriano, como es obvio, no quedó muy convencido con la historia que le contaba su flamante esposa, pero, lejos de desanimarse, pidió entrevistarse con el ángel. Cecilia, que lo debía de tener todo bien estudiado, envió a su marido a la tercera piedra miliaria de la Via Apia, donde sabía que lo recibiría el papa Urbano I. Éste no dejó pasar por alto la ocasión pintiparada que se le presentaba y aprovechó el encuentro con Valeriano para bautizarlo y ganarlo para la causa cristiana. Valeriano no vio al ángel, pero volvió junto a Cecilia para decirle que ya era cristiano, como ella, y que estaba muy contento con la decisión que había tomado.

Urbano I

Entonces fue cuando apareció el ángel, que quedó encantado con el proceder de Valeriano. Los volvió a casar (ahora ya por lo religioso), los llenó de rosas y de azucenas y, de paso, bautizó a Tiburcio, el hermano de Valeriano, que se había dejado caer por allí como el que no quiere la cosa. Y vivieron los tres juntos, felices y en total pureza, aunque no por mucho tiempo, porque el prefecto Turcio Almaquio ordenó que decapitaran a los dos hermanos por su conversión al cristinianismo.

El ángel casa a Cecilia y
Valeriano, mientras Tiburcio
espera a que lo bautice

También Cecilia fue condenada a ser ahogada en el baño de su casa, pero, como no había forma de que muriera por ese sistema, Turcio Almaquio, al que se le estaba empezando a agotar la paciencia con el peculiar ménage à trois, mandó que la metieran en agua hirviendo. Pero ni por ésas, así que allí mismo le cortaron la cabeza a la pobre Cecilia.

El error que lleva a relacionar a Cecilia con la música se debe a una mala traducción medieval de un texto latino que habla de los “cantantibus organis” de la santa, ya que en realidad esos órganos no son instrumentos musicales, sino los instrumentos de tortura con los que fue supuestamente martirizada. El caso es que desde el siglo XV se la empezó a pintar junto a un pequeño órgano portátil y de ahí le viene el patronazgo de los músicos.

Como no podía ser de otra manera, han sido infinidad los músicos que le han dedicado obras a Santa Cecilia, su patrona. En 1575, Giovanni Pierluigi da Palestrina compone el motetto Cantantibus organis, que da pie a La Compagnia dei Musici di Roma a elaborar una misa homónima, también conocida como Misa de Santa Cecilia. La Compagnia era una asociación de destacados músicos romanos, creada en tiempos del papa Gregorio XIII, cuyo objetivo era componer obras de forma colectiva. En la Compagnia figuraban compositores como Annibale Stabile, Francesco Soriano, Giovanni Andrea Dragoni, Ruggiero Giovanelli, Prospero Santini, Curcio Manzini y, por supuesto, el propio Palestrina, encargado de componer el Gloria de la misa.

En 1692, justo tres años antes de su prematura muerte (falleció, por causas aún no aclaradas, el 21 de noviembre de 1695), Henry Purcell estrena una oda para Santa Cecilia, intitulada Hail, Bright Cecilia.

En 1708, en plena prohibición papal de que representen óperas en Roma, Alessandro Scarlatti compone Il Martirio di Santa Cecilia, con libreto del cardenal Ottoboni.

Como última muestra sonora, George Frideric Handel, quien en 1739 escribe la Oda para el Día de Santa Cecilia, basándose en un poema del genial John Dryden.

Sirva este fragmento de la oda handeliana como señal de admiración al gran tenor Anthony Rolfe Johnson, de cuyo inigualable arte llevamos años privados por culpa de ese enemigo cruel e implacable que es el Alzheimer.

El gran plagiador

2008-09-18T15:46:00.012+02:00

Para los amantes de la música, Dettingen fue el motivo que inspiró a George Frideric Handel a la hora de componer un monumental Te Deum en el año 1743. Pero Dettingen fue mucho más. En esa localidad alemana tuvo lugar una batalla, en el marco de la Guerra de Sucesión Austriaca, que ha pasado a la Historia por ser la última en la que un rey, Jorge II de Inglaterra, estuvo personalmente al frente de sus tropas. El triunfo del ejército anglo-hannoveriano, apoyado por los austriacos, frente al ejército franco-bávaro dio lugar a un sinfín de panegíricos a la figura del monarca inglés. Handel fue uno más de los que cantó la gesta. Y lo hizo de forma bien peculiar, como veremos más adelante.

Enclavada en Baviera, a la orilla del río Meno (Main, en alemán), a tres millas de Aschaffenburg y a setenta de Fráncfort, Dettingen fue el escenario de tan trascendental batalla, el 16 de junio de 1743. Poco antes, las tropas bávaras habían sufrido una severa derrota en las cercanías de Braunau (la ciudad en la que siglo y medio más tarde vería la luz Adolf Hitler) y tanto ellas como las francesas, mandadas por François-Marie de Broglie, duque de Broglie, estaban en plena desbandada. Ingleses, hannoverianos y austriacos habían logrado reunir, en el curso bajo del Rin, 50.000 bayonetas. Las plazas fuertes bávaras capitulaban una tras otra ante las tropas del príncipe Carlos. Para conjurar esta nueva amenaza, los franceses, haciendo un esfuerzo supremo, formaban un cuerpo de ejército de 70.000 hombras, al frente del cual se situaba el mariscal de Noailles (Adrien Maurice de Noailles).

El mariscal Noailles

Jorge II, sin embargo, se hallaba dominado por la presencia de sus adversarios, más veteranos y expertos que él en el mando de un ejército. Además, sus tropas se encontraban en una posición comprometida, entre Aschaffenburg y Hanau, en un desfiladero encajonado entre las colinas de Spessart y el Meno. Por si ello no fuera poco, llevaban más de una semana sin recibir suministros.

Jorge II, en Dettingen

Noailles creyó que bastaría con bloquear la salida de las tropas aliadas, por lo que estableció una red de puestos de escucha cercando a dichas tropas. Una parte de las tropas francesas, al mando del duque de Grammont, atravesó el Meno ante el pueblo de Dettingen. Las órdenes que se les había dado eran las de mantener una posición defensiva. Pero, sin hacer caso a esas órdenes, Grammont se lanzó al ataque. El asalto fue rechazado y los franceses, desordenadamente, intentaron replegarse al otro lado del Meno. Para eso, tenían que atravesarlo por una serie de puentes que, incapaces de soportar el peso de tantos soldados, se hundieron y provocaron que muchos de ellos murieran ahogados.

A finales de julio de ese mismo año, John Christopher Smith, copista, amanuense y administrador de Handel, escribía al conde de Shaftesbury: "Handel está enfrasado en un Te Deum y un Jubilate para que sea interpretado ante el Rey cuando vuelva de Alemania. Pero lo lleva todo en gran secreto y no debería hablarle a nadie de esto salvo a su Señoría. Por la partitura que tengo frente a mí, puedo adivinar que ya está casi finalizada. Pienso que esta gran composición será del agrado de toda la corte y de toda la ciudad".

Johan Christopher Smith

Lo que Smith seguramente ignoraba es que ese Te Deum estaba casi en su integridad basado en otro Te Deum compuesto muchos años antes por Francesco Antonio Urio (c. 1632 - d. 1719),
un sacerdote franciscano que fue maestro de capilla en la iglesia de los Santos Apóstoles (Roma), y más tarde en la de Frari (Venecia) y en la de San Francisco (Milán). Handel, el más grade plagiador de todos los tiempos, ya lo había utilizado parcialmente en sus oratorios Saul (seis movimientos) e Israel en Egipto (un movimiento), así como en su oda L'Allegro, il Penseroso ed il Moderato (otro movimiento). Pero aquí se anduvo con muchos menos remilgos: diez de los movimientos del Te Deum que había compuesto Urio fueron utilizados para el monumental Te Deum de Dettingen, que, como no podía ser de otra forma, fue del mayor agrado de Jorge II y de todos cuantos lo escucharon.

Que quede constancia que en aquella época el plagio no estaba lo mal visto que está en nuestros días. Todo lo contrario: plagiar se consideraba un arte, pues consistía en tomar una idea de un músico para desarrollarla y mejorarla.

Y no hubo nunca nadie al que se le diera mejor el plagio que al genial Handel.

El mandarín prodigioso

2008-09-18T00:05:00.007+02:00

La Evangelización, tanto en América como en Asia, no habría sido lo que fue de no ser por la música. De ella se valieron los misioneros para atraer a los nativos, ganarse su confianza y salvar sus almas, que era de lo que realmente se trataba. De sobra es conocida la labor en las reducciones jesuíticas suramericanas de no pocos sacerdotes-compositores, como Domenico Zipoli. Mucho menos se sabe, en cambio, del legado musical que dejaron los misioneros en China y Japón. Teodorico Pedrini (1671-1746) ha pasado a la posteridad por ser el primer autor de música clásica en el Lejano Oriente.

Cuentan que, ya en 1601, Matteo Ricci, el primer sacerdote jesuita que llegó a Pekín, llevaba consigo una espineta, instrumento que causó auténtica sensación en aquella corte, al punto de que durante siglos se guardó como una verdadera reliquia junto con varios relojes y otros objetos que Ricci portó en su viaje.

Pedrini fue admitido en la Congregación de la Misión (lazaristas) en 1698. En 1701, apenas un año después de haber sido proclamado papa, Clemente XI lo envió a Pekín, a fin de ganarse al emperador Kangxi (1654-1722), tercero de la dinastía Qing. Kangxi fue uno de los monarcas más importantes de la historia de China, no sólo en términos políticos y economicos, sino también culturales, debido al mecenazgo artístico que él mismo desarrolló durante los 61 años que estuvo en trono.

Clemente XI

Pedrini demostró desde joven una indudable facilidad para tocar el clave y para componer música. Su entrada en el seminario no respondió a una verdadera vocación religiosa, sino a una tragedia personal: la muerte de su amante, una joven noble romana. Desengañado de la vida, pensó que entre aquellas paredes podría desarrollar de la mejor forma su pasión por la música y olvidar así el dolor que le afligía. Su fama de buen músico llegó a oídos de Clemente XI , que pensó en él para que se conviritera en maestro de los hijos del emperador Kangxi y, al mismo tiempo, para que ejerciera una delicada tarea diplomática, pues en su intento de captar fieles los misioneros jesuitas habían flexibilizado la liturgia católica y consentían ciertos ritos paganos propios de aquellas tierras, como el culto a los antepasados, algo que no gustaba al sumo pontífice.

Kangxi

Pedrini no sólo tenía que amenizar con su música al emperador y a su familia, sino velar por el ortodoxo cumplimiento de la litúrgica católica. Sin embargo, no todo resultó tan sencillo como parece, pues su viaje acabó convertido en una auténtica odisea. Pedrini formaba parte de la legación papal que encabezaba monseñor de Tournon, pero perdió el enlace en las Islas Canarias, por lo que optó por seguir el viaje en solitario, no a través de Asia (Pondicherry, Manila y Macao fueron los puntos en los que recaló la legación papal), sino por la ruta contraria, la poco habitual afro-americana.

Tras no pocas dificultades para sortear el Cabo de Hornos, fue haciendo sucesivas escalas en Concepción (Chile), Lima (Perú), Guatemala y Acapulco (Méjico), hasta encontrar un transporte a Filipinas. De allí prosiguió a Macao, donde se enteró de que monseñor de Tournon había sido hecho prisionero por el emperador. La situación no era fácil, pero en modo alguno renunció a llegar a Pekín: alquiló con su propio dinero un velero, se disfrazó de capitán para no ser reconocido por los carceleros del emperador y, tras una travesía peligrosísima en la que hasta hubo un naufragio (por fortuna, cerca de la costa), arribó a Pekín a mediodía del 5 de febrero de 1711. Había tardado diez años en completar su azaroso periplo, en el que no faltó de nada: según las malas lenguas, Pedrini cayó de nuevo en la tentación de la carne y pasó un largo periodo conviviendo con una mestiza suramericana (sólo así se entiende que tardara tanto tiempo en llegar ante el emperador).

A éste no le importó demasiado el retraso y le dispensó una cálida acogida. Pedrini, debido a sus habilidades musicales, no tardó mucho en ganarse la confianza de Kangxi. Tal sería esa confianza, que lo nombró mandarín, honor que hasta ese momento no había nunca recaído en un occidental.

Pero a Pedrini le faltó como diplomático la habilidad que tenía como músico y pronto se vio inmerso en un sinfín de intrigas palaciegas, las cuales le hicieron caer en desgracia ante el emperador, quien le condenó a prisión. Allí estuvo durante años, hasta que el advenimiento de un nuevo emperador, su hijo Yinzhen, le devolvió la libertad (Yinzhen debía de tenerle cierto aprecio, ya que había sido alumno suyo). Pedrini nunca regresó a Roma, pues la muerte le sorprendió en Pekín en 1746.

Su música no es excepcional, pero sí incita cuando menos a la curiosidad por la mezcla de lo occidental con lo oriental. Años más tarde, otro misionero, el jesuita Joseph-Marie Amiot, emuló a Pedrini en Pekín. A su regreso a Francia, en 1779, Amiot entregó al bibliotecario del rey las partituras que había traído de China y que contenían muestras de la música al uso en la corte manchuria. Muchas de esas obras habían sido compuestas por Pedrini.

Amiot

Aquel maldito grano en el culo

2008-09-15T19:39:00.023+02:00

En el arte, en general, y en la música, en particular, muchos han sido los motivos (físicos o espirituales, animados o inanimados) que han inspirado el genio creativo. Pero sin duda alguna uno de los más sorprendentes es el grano en el culo que llevó a Henry Desmarest (1661-1741) a componer su Te Deum de París.

Luis XIV

Durante todo el año 1686, Luis XIV de Francia había tenido serios problemas de salud causados por una fístula anal que no le permitía hacer vida normal y que le obligaba a ausentarse con frecuencia de sus obligaciones. Nadie, acaso por vergüenza, revelaba la dolencia que aquejaba al monarca, lo cual daba pie a infinidad de especulaciones. La curación del mal fue motivo de alegría para todos sus súbditos y, el 3 de febrero de 1687, en el Oratorio del Louvre, se interpretaba el Te Deum de Desmarest para agradecer al Altísimo que el Rey pudiera volver a atender con regularidad sus quehaceres.

A pesar de su juventud (26 años), Desmarest compone una obra que recibe todo tipo de elogios no sólo por parte de los entendidos, sino también por parte del propio Luis XIV. Desmarcándose de la tónica general hasta aquel momento, el Te Deum está escrito en Sol menor, una tonalidad considerada “seria y magnífica” por el mismo compositor. Sorprende, igualmente, la ausencia de la habitual trompetas, lo que tal vez lo convierta en menos solemne que otros Te Deum de esa etapa. Pero, al mismo tiempo, resulta más complejo que éstos. Desmarest cambia pompa por recogimiento, aunque el efecto es igualmente magnífico.

Como tantos otros compositores del llamado "Periodo Barroco", la vida de Desmarest está llena de peripecias, a cual más curiosa. Queda viudo en 1696, pero ya algunos meses antes de la muerte de su esposa mantenía un tórrico romance con una discípula suya de sólo 18 años, la hija de Jacques de Saint-Gobert, un alto funcionario de Senlis. Saint-Gobert se opone con todas sus fuerzas a esa relación y, como la justicia está de su parte, Desmarest y su joven amante huyen a Bruselas. El músico es acusado de secuestro y condenado, en ausencia, a muerte. Gracias a la intermediación de su amigo y colega, Jean-Baptiste Matho, obtiene una carta de recomendación para el nuevo rey de España, Felipe V, nieto de Luis XIV. El músico y su flamante esposa, la señorita de Saint-Gobert, se trasladan a Madrid en junio de 1701, donde Desmarest ejercerá como "maestro de música de cámara".

Felipe V

El grupo que queda bajo su dirección está formado por doce cantantes e instrumentistas, todos ellos franceses y ajenos a la Capilla Real. Entre sus obligaciones está la de componer óperas para disfrute de su señor, pero la Guerra de Sucesión trunca todos los planes. Por ello, se tiene constancia de sólo un par de otras escritas durante su estancia española, un divertimento de cámara estrenado en Barcelona en octubre de 1701 con motivo de la boda de Felipe V y María Luis Gabriela de Saboya (lamentablemente, la música está extraviada) y la tragedia lírica Iphigénie en Tauride (compuesta en 1704 y completada en 1711 por André Campra).

En 1703, Felipe V despide a todos sus músicos, pero Desmarest, ante la imposibilidad de volver a Francia por la amenaza de ser ejecutado, permanece bajo la tutela del rey español. A pesar de la ausencia de composiciones, son años fructíferos para Desmarest en términos psicológicos y estéticos, pues se impregna de la honda mística que caracteriza a España. Durante ese periodo, entra en conctacto con los mejores músicos españoles: Sebastián Durón (quien, paradójicamente, habrá de exiliarse más tarde en Francia por su condición de austriacista), José de Torres o Antonio de Literes. A través de ellos, conoce también la música italiana y eso le marca para el resto de su vida como compositor.

Las dificultades por culpa de la guerra van en aumento y hacia finales de 1705 la situación económica de Desmarest es crítica. Pero, de manera sorprende, un golpe cambia su fortuna: le ofrecen ser surintendance de la musique en la corte de Lorena. El duque de Lorena, Leopoldo I, se había declarado neutral en la Guerra de Sucesión, lo cual permitió que un buen número de artistas afectados por el conflicto se refugiaran allí y que, de esa manera, floreciera artísticamente el ducado.

Leopoldo I de Lorena

Sin embargo, la felicidad en la corte de Lorena no era bastante como para no desear su regreso a Francia. Amigos del músico interceden ante Luis XIV para que revoque la sentencia de muerte que aún pesa sobre Desmarest. Incluso, compone para el monarca la ópera Renaud ou la suite d'Armide, para forzar el perdón, que no termina de producirse.

Los últimos años de la existencia de Desmarest son especialmente complicados. Problemas financieros del duque Leopoldo I hacen reducir drásticamente la plantilla de músicos. Desmarest ya no compone. Morirá el septiembre de 1741, viejo (80 años) y olvidado. Triste final a un vida agitada.

Ya indicada que Desmarest no fue el único que compuso un Te Deum para celebrar la recuperación de la salud del monarca tras la dichosa fístula anal. Jean-Baptiste Lully también escribió otro Te Deum, el cual se representó el 8 de enero de 1687. El propio compositor se puso al frente de 150 músicos, en el Convento de los Bernardos, de la calle de Saint-Honoré. Mientras dirigía, marcaba el compás con un bastón metálico. Un moviento del brazo desplazó la punta del bastón, que se clavó en su pie. Las curas de la herida no se hicieron bien. Al cabo de unos días, la gangrena se llevó la pierna de Lully y poco después, el 22 de marzo, se llevó su vida. La historia es bien conocida gracias a la película Todas las mañanas del mundo. Por eso, he preferido centrarme en Desmarest.

Lully

El concierto secreto de las damas de Ferrara

2008-09-13T22:39:00.008+02:00

Desde el siglo XIV, el Ducado de Ferrara, situado entre Bolonia y Mántua, estuvo gobernado por la familia Este, conocida por su amor al arte, en general, y a la música, en particular. Los compositores más famosos de los siglos XVI y XVI pasaron, uno tras otro, por aquella pequeña corte: Josquin Desprez, Jacob Obrecht, Adrian Willaert, Cipriano de Rore y, más adelante, Ludovico Agostini y Luzzascho Luzzaschi.

Alfonso II d'Este, en su juventud

A finales del XVI, la vida musical de Ferrara estaba entre las más activas y brillantes de la Península Itálica, lo que equivale a decir que de toda Europa. El duque Alfonso II d'Este, gran melómano, creó un ensamble de tres voces femeninas, en el más puro espíritu renacentista. Denominado Concerto delle donne di Ferrara, se ganó una sobresaliente reputación, entre otras muchas cosas por el halo de misterio que lo rodeaba. Este ensamble secreto ejecutaba música que había sido vetada al mundo exterior y que sólo estaba al alcance de una privilegiada minoría.

¿Quiénes eran esas tres misteriosas damas? La primera, una joven cantante de 15 años, la condesa Livia d'Arco, que había acompañado a la duquesa Margarita Gonzaga, tercera esposa de Alfonso II d'Este, desde Mántua hasta Ferrara. La segunda, otra noble mantovana, Laura Peperara (o Peverara), bailarina, arpista, cantante y discípula de Giaches de Wert. Y la tercera, Anna Guarini, una cantante ferrarense, hija del gran poeta Gian Battista Guarini, quien también estaba empleado en la corte ducal. Fue el propio duque Alfonso el que sugirió a Luzzascho Luzzaschi, organista de la catedral de Ferrara y maestro de capilla suyo, que adiestrara al trío de damas y que escribiera música para ellas. Luzzaschi , además, las acompañaba desde el clave.

Las tres damas interpretaban solamente música no editada previamente y cuya publicación estaba estríctamente prohibida. Después de cada actuación de las damas secretas, las partituras quedaban celosamente guardadas en un armario y nadie tenía acceso a ellas. Entre los pocos privilegiados que pudieron gozar de esa música secreta hay que citar a Giulio Caccini, Alessandro Striggio, Pietro Strozzi y Orlando di Lasso.

El trío de damas también ejerció una notable influencia en otro compositor, tan célebre como polémico, el príncipe Carlo Gesualdo da Venosa, quien visitaría Ferrara en febrero de 1594 con motivo de sus esponsales con Elenora d'Este (la que habría de sustituir en el lecho a su primera esposa, Maria d'Avalos, asesinada junto a su amante por el príncipe al sorprenderlos en flagrante delito).

Gesualdo da Venosa

Abramos aquí, ya que hablamos de Gesualdo y de su uxoricidio, del trágico finall, casi calcado al de Maria d'Avalos, que tuvo una de las tres componentes del Concerto delle donne, Anna Guarini. Casada con el conde Ercole Trotti en 1585, el suyo fue un matrimonio de conveniencia, dada la diferencia de edad entre el anciano noble y la joven artista. En 1596, el conde la acusó, sin pruebas, de serle infiel con un miembro del ejército ducal. El propio duque conminó al conde a que no se tomara la justicia por su mano. Pero Alfonso II d'Este moriría sólo unos meses más tarde y, en mayo de 1598, mientras la infeliz Anna se hallaba en cama víctima de un proceso fébril, el conde Trotti, ayudado por su hermano Girolamo, la asesinó brutalmente con un hacha. Lo más sorprende de este macabro suceso es que Trotti no sólo fue perdonado por el nuevo duque, Cesare d'Este, sino que vio como aumentaba su popularidad.

A la muerte del duque Alfonso (27 de octubre de 1597), la vida musical en aquella corte empezó a declinar y el secreto del Concerto delle de donne dejó de serlo, pues Ferrara entró a formar parte de los Estados Pontificios y al papa Clemente VIII aquellas manifestaciones mundanas no le iban demasiado (tanto no le iban ni los artistas ni los intelectuales, que no dudó en mandar al hoguera al monje dominico, filósofo y poeta Giordano Bruno, acusándolo de herejía).

Clemente VIII

Laura Peperara y Livia d'Arco (casada en el mismo año que Anna Guarini con otro conde, Alfonso Bevilacqua) cantaron por última vez el 16 de noviembre de 1598, ante la princesa Margarita de Austria, en su paso por Ferrara camino de convertirse en esposa de Felipe III de España. Después de aquella postrera actuación, el Concerto delle donne pasó a la historia.

Margarita de Austria

Princesa, música, poetisa y pintora

2008-09-11T13:44:00.009+02:00

Maria Antonia Walpurgis es un nombre más en esa interminable legión de músicos del Siglo de las Luces injusta e incomprensiblemente arrinconados. Nacida en Múnich en 1724, era la primogénita de del elector de Baviera Carlos Alberto (futuro emperador Carlos VII) y de la archiduquesa María Amalia de Austria. En 1747, contrajo matrimonio en Dresde con el que posteriormente sería príncipe elector de Sajonia, Federico Christian, que murió sólo diez semanas después de su entronización, en diciembre de 1763.

Maria Antonia Walpurgis, a quien en lo sucesivo nos referiremos como ETPA (Ermelinda Talea Pastorella Arkadia), por ser el nombre secreto que utilizó como miembro de la Academia Romana de los Arcades, era una mujer instruida, que además de compositora destacó como poetisa, pintora y, por encima de todo, como una gran mecenas. Desde el mismo instante de su nacimiento, ETPA estuvo vinculada a la música: el Hofkapell-Director de Baviera, Pietro Torri, escribió la ópera Amadis de Grecia con motivo del acontecimiento.

Sus primeras enseñanzas musicales las recibió en Múnich de Giovanni Ferrandini y de Giovanni Porta. El hecho de residir en Dresde, por su enlace matrimonial con Federico Christian, le permitió establecer contactos con los más importantes compositores del momento y proseguir con su formación musical bajo la tutela de Nicola Porpora y Johann Adolf Hasse. Mantuvo correspondencia con el célebre poeta Metastasio, autor de los libretos de algunas de las más aclamadas óperas barrocas.

Johann Adolf Hasse

ETPA fue también una buena cantante y clavecinista. El historiador musical inglés Charles Burney tuvo ocasión, en uno de sus innumerables viajes, de escucharla y no dudó en alabar sus virtudes canoras. La princesa desempeñó papeles protagonistas en algunas de sus propias óperas, como Il trionfo della fedeltà (estenada en Dresde en el verano de 1754) o Talestri, regina delle Amazoni (compuesta tres años más tarde). Los libretos de ambas óperas surgieron asimismo de su propia pluma. Igualmente, escribió textos que fueron musicados por los mejores compositores de la época. Por ejemplo, el oratorio La conversione di Sant'Agostino, de Hasse, y varias cantatas de Hasse, Naumann, Ferrandini y Gennaro Manna.

Vedutta de Dresde, por Canaletto

Como mecenas, ETPA patrocinó al pintor Rafael Mengs (excelso su cuadro sobre los primeros borbones españoles que puede contemplarse en el museo de El Prado), a los músicos Hasse, Porpora y Naumann, y a los cantantes Mingotti y Mara.

La familia de Felipe V, por Mengs

Por culpa de la Guerra de los Siete Años y a la muerte de su esposo el elector sajón, la vida cultural en la corte de Dresde declinó. El epistolario de la princesa con otro monarca-músico, Federico II de Prusia, "El Grande", evidencia el aislamiento personal y artístico que tuvo que padecer ETPA tras esas penosas circunstancias.

Paradójicamente, fue Federico el Grande el responsable de los mayores daños sufridos en Dresde hasta la II Guerra Mundial. Primero, las tropas prusianas la incendiaron y, años más tarde, en 1760, la asediaron y bombardearon. Ese bombardeo causó la pérdida de infinidad de obras de arte y de partituras musicales, entre ellas, un buen número de composiciones de Hasse (en su tremenda ingenuidad, Hasse, pensaba que Federico II jamás atacaría Dresde porque él vivía allí y era amigo suyo) .

Federico II de Prusia

ETPA representa, en suma, aquello que pretendían ser los hombres del siglo XVIII: ilustrados. En este caso no se trata de un hombre, sino de una mujer, lo que multiplica, si cabe, su valor, por las muchas dificultades con que éstas se toparon para poder dedicarse a las artes.

Dos veces casada y muerta doncella

2008-09-10T20:38:00.013+02:00

Margarita de Austria (1480-1530) fue una mujer dotadas de excepcionales cualidades intelectuales, poco frecuentes en aquella época que le tocó vivir. Hija del emperador Maximiliano I y de María de Borgoña, y hermana del que más tarde sería Felipe I de Castilla (Felipe "el Hermoso"), jugó un papel determinante en la educación de su sobrino, el futuro emperador Carlos I de España y V del Sacro Imperio Romano Germánico.

La vida de Margarita de Austria está llena de peripecias, como las sucedieron cada vez que iba a contrater. El primero, con el delfín de Francia, el que habría de ser Carlos VIII. Concertada la boda y educada a tal efecto Margarita en la corte francesa, su padre, el emperador, dio un giro radical en su política exterior y decidió acercase a los Reyes Católicos y separarse del monarca francés, razón por la cual la boda no llegó a celebrarse. Entonces, su padre dispuso que casara con el príncipe español Juan y que su hijo, el antes mencionado Felipe, se esposara con la infanta española Juana, más tarde conocida como "La Loca".

En el trayecto entre Flandes y España, la expedición que traía a la futura reina sufrió una fuerte tormenta y estuvo a punto de naufragar. Tan mal vio la situación Margarita, que, para que su cadáver fuera reconocido si se producía el hundimiento del barco, escribió en una tablilla la siguiente leyenda: "Aquí yace Margarita, gentil damisela, dos veces casada y muerta doncella". Por fortuna, la expedición llegó finalmente a puerto y la boda se celebró en Burgos, en 1497.

Fue un enlace breve, ya que el príncipe Juan fallecería en Salamanca seis meses más tarde. Se achacó la muerte del príncipe a su fogosidad sexual, manifestada en alguna ocasión por su propia madre, Isabel "La Católica", que rechazaba esa impúdica conducta (sin embargo, lo más probable es que don Juan muriera víctima de la tuberculosis). El mausoleo del príncipe Juan se halla en el Monasterio de Santo Tomás, Ávila. Realizado por el florentino Domenico Fancelli, su estado de conservación es excelente (sólo falta el final de la espada), a pesar de que el sepulcro fue profanado por los franceses en 1809 (se desconoce el paradero de los restos exhumados).

Estatua yacente del Príncipe Juan

Viuda y embarazada (aunque aquel hijo nace muerto), Margarita regresa a Flandes y, cuatro años más tarde, vuelve a casarse, esta vez con el duque Filiberto II de Saboya, quien fallecerá tres años después.

Filiberto II de Saboya

De regreso nuevamente a Flandes, Margarita se dedica al cuidado y a la educación de su sobrino, Carlos, al tiempo que ejerce de regente y, más tarde, de gobernadora de los Países Bajos, donde se caracteriza por su política antifrancesa. Su muerte, acaecida en 1530, deja un vacío difícil de superar.

Carlos I de España y V de Alemania

Si su importancia en la política de la época fue grande, no lo fue menos en el terreno de las artes. Ella misma fue poetisa y compositora, pero sobre todo fue protectora y mentora de artistas, literatos y músicos en la pequeña corte que creo en la ciudad de Malinas. Gracias a ella, creció aún más el prestigio de que ya gozaba la Capilla Flamenca y allí pudieron dar rienda suelta a su ingenio compositores como Alexander Agricola, Marbrianus de Orto, Antoine Divitis, Antoine Brumel, Josquin Desprez o Pierre de la Rue. Aquel esplendor quedó reflejo en varios códices que en la actualidad se conservan en la Biblioteca Real de Bruselas.

Jacob Obrecht

Una vela a Dios y otra al diablo

2008-09-09T20:45:00.003+02:00

Para ganarse la vida con la música en el siglo XVIII no bastaba con poseer talento. Ni siquiera con añadir al talento un cierto olfato empresarial. El que no se supiera mover con destreza entre la nobleza y el alto clero, lo tenía más que complicado. Algunos, no obstante, evidenciaron unas dotes maniobreras fuera de lo común. Es el caso de Antonio Caldara, un veneciano (si es que en realidad en la ciudad de los canales vio la luz) nacido hacia 1670 y un compositor extraordinario.

Antonio Caldara

En 1699, Caldara era maestro de capilla de Ferdinando Carlo, el último Gonzaga duque de Mántua. Pero una circunstancia política de primera magnitud, la Guerra de Sucesión Española, impidió que su genio brillara con todo su esplendor. El duque, partidario de la causa borbónica, tuvo que huir ante el avance de las tropas imperiales y en esa huida le acompañaron todos sus músicos, incluido Caldara. Eran tiempos difíciles para el arte.

En otoño de 1707, Caldara deja al duque de Mántua y se establece Roma, donde entra en contacto con una fórmidable plétora de músicos: Corelli, los Scarlatti, Pasquini, Handel... Hasta que, en verano de 1708, las tropas de los Habsburgo ponen sitio a Roma. Con una habilidad realmente increíble, Caldara se las apaña para ponerse al servicio del archiduque Carlos, pretendiente al trono español, al que sigue en su viaje a Barcelona. De esa fecha data Il bel più nome, compuesta para celebrar la boda entre quien aspiraba a ser Carlos III de España y Elisabeth Christine de Brunswick-Lüneburg. Se trata de la primera ópera italiana representada en la Península Ibérica.

No se sabe bien por qué, pero lo cierto es que a finales de ese mismo año Caldara deja de estar al servicio del archiduque y regresa a Italia. En marzo de 1709, es contratado como maestro de capilla por un célebre mecenas romano, el marqués de Ruspoli, en sustitución de Handel. La cosa no tendría mayor importancia de no ser por una circunstancia curiosa: el marqués era el gran valedor de la causa borbónica en la Península Itálica. O sea, enemigo declarado del archiduque Carlos.

Francesco Maria Ruspoli

Ruspoli, en alianza con el Papa Clemente XI, forma un pequeño ejército (el Reggimento Ruspoli) para impedir que los austriacos invadan Roma. En septiembre de 1708, al partir Ruspoli al frente, Handel compone como homenaje de despedida la cantata O come chiare e belle. La victoria cae de su lado y el Papa le premia nombrándole príncipe de Cerveteri.

El periodo romano de Caldara, bien al servicio de Ruspoli, bien al servicio de otros patrones como el cardenal Colonna o el cardenal Ottoboni, es tremendamente fructífero y a él se deben seguramente sus mejores composiciones. Pero de nuevo el azar político se cruza en su camino: la muerte inesperada, prematura y sin descendencia de José I convierte a su hermano Carlos en emperador. El archiduque renuncia a la corona española en favor de Felipe V y con eso se pone fin a la Guerra de Sucesión. Carlos VI es conoronado emperador del Sacro Imperio Romano Germánico en 1711.

Carlos VI

Por esas fechas, Caldara contrae matrimonio con la contralto Caterina Petrolli. La pareja, sin pensárselo dos veces, pone rumbo a Viena con la esperanza de que sus antiguos servicios en Barcelona sean suficientes para que el nuevo emperador lo contrate, esta vez como Kapellmeister de la corte (el cargo se hallaba vacante desde la muerte, dos años antes, de Antonio Pancotti). Caldara espera al todavía archiduque en Milán y las gestiones son positivas, por lo que le acompaña hasta Viena para la ceremonia de coronación.

Para su desgracia, el cargo de Kapellmeister acaba de ser adjudicado a Marco Antonio Ziani y el de vice-Kapellmeister, a Johann Joseph Fux. La situación no es de su agrado y, tras una corta estancia en Viena, regresa a Roma para ponerse de nuevo al servicio de Ruspoli.

Johann Joseph Fux

Ziani muere en enero de 1715, pero las aspiraciones de Caldara se ven truncadas al ser ascendido Fux a Kapellmeister. Aún así, no pierde contacto con Viena y envía allí las partituras de algunas de sus obras, como Maddalena ai piedi di Cristo. La perseverancia de Caldara da finalmente sus frutos y Carlos VI, desoyendo los consejos de Fux, lo nombra vice-Kapellmeister.

Caldara se instala en 1716 en la capital imperial y ya no se movería de allí hasta su muerte, acaecida el 28 de diciembre de 1736, a consecuencia de "Der Gelbsucht und Inner Brand", es decir, agotamiento físico y, probablemnte, mental. De la mano de Carlos VI, de Fux y de Caldara, Viena conoció su época de máximo esplendor musical.

El mito de Belerofonte

2008-09-09T01:28:00.002+02:00

De todos los personajes mitológicos que en el mundo han sido, no hay ninguno que me produzca tanta atracción ni tanta simpatía como Belerofonte. Hijo del rey Glauco de Corinto, su verdadero nombre era Iponoo, pero lo cambió por el de Belerofonte después de matar accidentalmente a su hermano Belero durante una partida de caza (el significado de Belerofonte es, pues, "asesino de Belero"). Entre sus muchas hazañas, cabe descatar su duelo a muerte con la Quimera (un terrible monstruo con cabeza de león, cuerpo de cabra y cola de serpiente) y la doma del caballado alado Pegaso.

Tras la muerte de su hermano, Belerofonte abandona Corinto en exilio voluntario y se instala en Tirinto, en la corte del rey Preto, quien lo acoge como su huésped. Estenebea, la esposa de Preto, se enamora de Belerofonte, pero éste no accede a sus propuestas indecentes. Ofendida, clama venganza y lo acusa ante Preto de haber intentado seducirla. El rey cree a su esposa, pero las leyes de hospitalidad que rigen en Tirinto le impiden tomarse la justicia por su mano. Preto, entonces, pide a Belerofonte que lleve una carta de recomendación, según le dice, a su suegro, el rey Yóbates de Licia. En la carta lo que en realidad pide Preto a Yóbates es que asesine a Belerofonte: "Ruego a usted eliminar de la faz de la tierra al portador de esta carta, quien ha tratado de abusar de su hija, mi esposa".

Tras nueve días de festejos con el huesped, como manda la tradición en Licia, Yóbates opta por no asesinar directamente a Belerofonte y le encomienda una tarea de la que es imposible salir con vida: matar a la Quimera, mascota de su enemigo, el rey de Caria. El monstruo arroja fuego por la boca, devora personas y animales, y tiene asolados los fértiles campos. Antes de acometer su tarea, Belerofonte consulta al adivino Polieides, quien le aconseja capturar a Pegaso, el caballo volador al que protegen las musas del monte Helicón.

Tras hallarlo en la fuente Pirene, en la Acrópolis de Corinto, Belerofonte captura y doma a Pegaso gracias una brida mágica que le ha entregado previamente la diosa Atenea. Montando a Pegaso, Belerofonte vuela sobre la Quimera y le lanza dardos. Luego, introduce la punta de su lanza en las fauces del monstruo, pero su aliento de fuego funde el arma. El plomo, derretido, escurre por la garganta de la Quimera, quemando sus órganos vitales y causándole la muerte.

No fue ésa la única proeza de Belerofonte. El hijo de Glauco también luchó contra las Amazonas, las temidas mujeres guerreras que se cortaban un pecho para poder manejar mejor el arco. Salió también airoso de esa pelea, pero tan orgulloso estaba de sus gestas que quiso compararse con los Dioses y voló con Pegaso hacia el Monte Olimpo. Zeus, sabedor de las intenciones de Belerofonte, decidió castigarlo y para ello mandó un insignificante mosquito a su encuentro. El mosquito mordió al caballo alado en los riñones y éste se enfureció. Belerofonte no fue capaz de contenerlo, perdió el equilibrio y se precipitó al vacío. No murió en la caída, pero quedó maltrecho y terminó vagando por la Tierra, añorando su glorioso pasado. Pegaso, por su parte, se elevó hacia el cielo y quedó inmortalizado como una constelación.

El personaje de Belerofonte ha cautivado a no pocos músicos. Las aventuras del héroe mitológico griego dieron pie a varios libretos operísticos durante los siglos XVII y XVIII. La primera musicalización fue de Francesco Sacrati, sobre un texto de Vincenzo Nolfi (Venecia, 1642). Jean-Baptiste Lully lo usó en 1679, con libreto de Thomas Corneille y Bernard le Bovier de Fontenelle.

Jean-Baptiste Lully

Otros que también compusieron una ópera dedicada a Belerofonte fueron Johann Christoph Graupner, sobre texto de Feind (Hamburgo, 1708); Domingo (o Domènec) Terradellas, sobre texto de Vanneschi (Londres, 1747); Francesco Araia, sobre texto de Bonecchi (San Petersburgo, 1750); Gregorio Sciroli (Génova, 1760); Josef Myslivecek (Nápoles, 1767); Ignazio Platania (Nápoles, 1778) y Peter Winter (Múnich, 1785).

De todas ellas, la más célebre y la única que ha sido llevada al disco es la de Myslivecek, compositor checo al que en Italia conocieron como "Il Divino Bohemo". La interpretación, a cargo también de músicos chechos, le hace un flaco favor a esta bella ópera.

Josef Myslivecek

No obstante, quienes han estudiado estas partituras hablan maravillas de la del catalán Terradellas. Domingo Miguel Bernabé Terradellas nació en Barcelona en 1713 y murió en Roma en 1751, asesinado según todos los indicios. Discípulo de Francesco Durante en Nápoles, destacó como autor de música sacra y, sobre todo, como compositor de óperas. Viajó por toda Italia y también por Londres, y en todas las ciudades en las que estuvo sus óperas fueron siempre éxitos clamorosos. Precisamente en Londres estrena Bellerofonte, antes de visitar París, donde tiene un encuentro, que acaba en estrecha amistad, con el filósofo (y aburrido músico) Jean-Jacques Rousseau. Su última ópera es Sesostri, estrenada en Roma en 1751. Poco después de ese estreno, fallecería de forma violenta, cuando sólo contaba 38 años de edad. Su cadáver fue arrojado al río Tíber. Cuenta la leyenda que los autores del asesinato fueron unos sicarios contratados por Nicoló Jommelli, incapaz de digerir los éxitos de su colega español.

A falta de la música del Bellerofonte de Terradellas, conformémonos con un aria de Sesostri, su ópera postrera.

Domingo Terradellas

Hay quien también honró a Belerofonte en el mundo de la música no con una obra, sino con su nombre: Bellerofonte Castaldi. Nacido cerca de Módena en 1580 y fallecido en esa ciudad en 1649, Castaldi fue tiorbista, laudista, guitarrista y poeta. Junto a Kapsberger y Piccinini, está considerado como el gran maestro de la cuerda pulsada deaquel periodo. Como el propio Belerofonte del mito, como el propio Terradellas, Castaldi no fue ajeno a la violencia extrema: mató a un hermano suyo y quedó cojo para el resto de su vida por culpa de una herida de bala en el pie izquierdo. La rebosante calma de algunas de sus composiciones contrasta brutalmente con esos episodios salvajes de su existencia.

Bellerofonte Castaldi

Bóreas, el inicio de un blog

2008-09-08T04:07:00.001+02:00

Bóreas (en griego Βορέας, ‘viento del norte’ o ‘devorador’) era, en la mitología griega, el dios del frío viento del norte que traía el invierno. Bóreas era muy fuerte y tenía un carácter sumamente violento. A menudo se le representaba como un anciano alado con barbas y cabellos desgreñados que portaba una caracola y vestía una túnica de nubes. Pausanias escribió que Bóreas tenía serpientes en lugar de pies. Como los otros tres dioses-viento (Céfiro, Euro y Noto), Bóreas era hijo de Astreo y de Eos.

Bóreas estaba estrechamente relacionado con los caballos. Se decía que había engendrado doce potros, tras adoptar la forma de un semental, con las yeguas de Erictonio, rey de los dárdanos. Estos corceles eran tan veloces como su padre el viento y capaces de correr por un campo de trigo sin pisotear las espigas. Plinio el Viejo pensaba que las yeguas podían ponerse con sus cuartos traseros hacia el viento del norte y engendrar potros sin necesidad de un semental.

También se decía que Bóreas había secuestrado a Oritía, una princesa ateniense, de la cual se había encaprichado. Suplicó inicialmente sus favores, pero Oritía lo rechazó. Entonces, despechado, Bóreas la raptó cuando bailaba en la rivera del río Iliso. La recogió en una nube de viento y la llevó a Tracia. Allí tuvo con ella dos hijos, los Boréadas (los mellizos alados Calais y Zetes), y dos hijas, Quíone y Cleopatra.

Desde entonces, los atenienses vieron en Bóreas un pariente político. Cuando Atenas fue amenazada por Jerjes, sus habitantes rezaron a Bóreas para que los ayudara. Y el dios propició vientos que hundieron 400 barcos persas.

Bóreas inspiró a Jean-Philippe Rameau para escribir la última ópera de su larga y fecunda vida, Les Boréades (1755). Consta de cinco actos y el libreto se debe a Louis de Cahusac. En ella, Rameau narra la historia de Alphise, reina de Bactria, destinada por una profecía a casarse con uno de los descendientes del dios Bóreas. Pero Alphise se enamora de un joven extranjero de origen desconocido, Abaris. Ante ese amor imposible, Alphise abdica, lo que causa la airada reacción de Bóreas, que se presenta en la boda en forma de tormenta y secuestra a la reina. Con la ayuda del dios Apolo y de la musa Polimnia, Abaris se dispone a liberarla. Reta a duelo a Bóreas y a sus dos hijos, Calais y Zetes, con la mágica espada dorada que le ha entregado Apolo. En mitad de la lucha, Apolo desciende Deus ex machina y revela que Abaris es en realidad su hijo. Ya nada puede impedir el enlace entre los enamorados Abaris y Alphise.

Pero no fue Rameau el único músico que se inspiró en Bóreas. El bilbilitano José de Nebra escribió el primer acto del drama armónico Amor aumenta el valor, con motivo de los dobles esponsales del Príncipe de Asturias, Don Fernando de Borbón (futuro Fernando VI), con la Infanta de Portugal, Doña María Bárbara de Braganza. La obra fue estrenada el 18 de enero de 1728 en el palacio del embajador de España en Lisboa, marqués de los Balbases. El libreto es de José de Cañizares. El segundo acto está escrito por Felipe Falconi y el tercero, por Jayme Facco.

Fernando VI

El día que escuché por primera vez Amor aumenta el valor, Emilio Moreno, director de El Concierto Español, la rescataba tras casi dos siglos durmiendo en el limbo de los justos. Fue el 14 de marzo de 2002, en la Real Fábrica de Tapices, de Madrid. Justo cuando comenzaba a sonar la música, descargó una tremenda tormenta, como si el propio dios Bóreas quisiera sumarse al acontecimiento, al igual que mucho tiempo atrás había hecho durante la boda de Alphise y Abaris. Al término del primer acto, Clelia, la protagonista femenina, canta la vibrante aria "Sopla el bóreas irritado, brama el ábrego furioso".